Posts Tagged ‘Cine’

Con tanta noticia repetida la semana pasada a raíz del Oscar que recibió Jennifer Lawrence por su trabajo en Silver Linings Playbook, terminé cruzándome de casualidad con un video que compilaba distintas escenas de películas en las que ha participado esta chica. Unas que transcurrían en un bosque me llamaron la atención y, Google mediante, terminé descubriendo Winter’s Bone, film que vengo a comentar hoy.

Winter's Bone

Basada en la novela homónima de Daniel Woodrell, Winter’s Bone (que en Argentina se estrenó como Lazos de Sangre) cuenta la dura historia de Ree Dolly, una chica de 17 años que vive en una zona rural de Missouri, Estados Unidos, y que lucha todos los días por mantener a su familia. Su padre, Jessup, fabricante y traficante de drogas, desapareció del mapa sin previo aviso, dejando como consecuencia a su esposa depresiva y enferma, y a su hija mayor como cabeza de familia a pesar de su corta edad. Las ya precarias condiciones de los Dolly empezarán a empeorar a partir de la llegada de una notificación que advierte que, a menos que el padre se presente ante la justicia por sus delitos cometidos, perderán su casa y sus terrenos. Winter_s_Bone-270791611-largeSabiendo que sus hermanos pequeños y su madre dependen de ella, Ree se pondrá entonces como objetivo encontrar a Jessup en un último intento desesperado por salvar lo único que les permite sobrevivir y que los sostiene como familia.

Winter’s Bone  es una película independiente que explora un tipo de historia poco comercial y, además, protagonizada por gente usualmente olvidada por el cine nortamericano: la vulgarmente conocida como “white trash”. Ese término, que literalmente significa “basura blanca”, es utilizado despectivamente para referirse a personas de clase baja, carentes de educación, que viven (o más bien sobreviven) en condiciones de vida penosas y que suelen  habitar el sur de Estados Unidos. En este contexto, lo que muestra Winter’s Bone es la búsqueda desesperada de una chica joven y todos los peligros a los que debe enfrentarse con cada paso que da gracias a la mala gente con la que su padre, por cuestiones “laborales”, tenía relación. Además, la película también hace hincapié, sin caer en golpes bajos, en la relación afectiva de Ree con sus hermanos y en cómo ella estará dispuesta a tomar decisiones difíciles y horribles con tal de salvar a su familia.

La película me pareció realista y también bastante dura. Las historias de vida de los personajes ya son de por sí complicadas, y eso, sumado a los tonos fríos de la fotografía, hace de Winter’s Bone una película por momentos bastante depresiva, donde ningún personaje asoma una sonrisita ni de casualidad. Y es que, la verdad, no tienen motivo alguno en sus vidas para sonreír. A pesar de que la narración tiene un ritmo por momentos medio lento, me pareció que la historia está bien contada, y logró mantener mi atención gracias a buenas dosis de suspenso, a las actuaciones, y a la fotografía que, repito, ayuda a crear un ambiente aún más triste y opresivo.

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Por otro lado, el elenco no decepciona para nada. Jennifer Lawrence, que por ese entonces tenía 19 o 20 años, está realmente muy bien en su rol de adolescente que carga con un tremendo peso sobre su espalda: el de mantener a su familia y vivir una vida dura en un lugar tan inhóspito, donde casi no tiene amigos y donde sabe que no tendrá un futuro. Otro que destaca mucho es John Hawkes, quien interpreta al tío de Ree, consumido por las drogas pero todavía con algo de lucidez mental para ayudar a defender a los suyos. Si bien ellos dos son los que más destacan, la verdad es que todos los secundarios también están muy correctos en sus papeles y creo que no hay actuaciones flojas.

No sé si es una película para todos, pero sí me parece recomendable para aquellos a los que les gusten los dramas con historias bastante realistas, “densas”, y con muchas características dignas del cine negro. Aún sin ser un peliculón, Winter’s Bone me pareció interesante. Vale la pena verla.

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Bastante angustia, tristeza, y no poder despegar los ojos de la pantalla. Más o menos eso es lo que me pasó mientras veía Amour, la última película del director austríaco Michael Haneke, responsable de otras cintas como Caché, La Pianista y The White Ribbon, nominada al Oscar hace un par de años. La verdad es que hacía rato que una película no me dejaba tan impresionada al punto de sentir la necesidad de venir al blog para escribir algo al respecto y descargarme.

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Amour es un film duro. Durísimo. En él, Haneke cuenta la historia de Georges y Anne, dos músicos ancianos que pasan sus días leyendo, yendo a conciertos de música clásica, y conversando. Todo marcha aparentemente bien hasta que, luego de una operación, la mujer queda con medio cuerpo paralizado. A partir de allí, veremos los constantes esfuerzos de Georges por ayudar a su mujer a tolerar la situación por la que está pasando, pero también seremos testigos del sufrimiento de Anne y de cómo su condición se va inevitablemente deteriorando.

Amour se centra exclusivamente en la pareja tratando de afrontar una situación tan angustiante, y Haneke, especialista en crear películas un tanto perturbadoras y sombrías, vuelve a lograr su cometido acá, pero con el sentimiento del amor de por medio. Pero ojo, que el hecho de que la película muestre cómo un esposo se desvive por ayudar a su mujer de toda la vida no quiere decir que suavice toda la angustia por la que pasan tanto los personajes como, creo, el espectador. Observar el deterioro de Anne a medida que pasa el tiempo es durísimo, así como también lo es el ver cómo el mismo Georges imagesse va hundiendo en la tristeza junto con ella. Es notable cómo la intensidad en el drama se va incrementando con cada escena, y en eso creo que tiene mucho que ver la falta de banda sonora. Casi no hay sonidos en la película más allá de los de los personajes hablando o de alguna música ocasional, y eso tiene un propósito claramente definido: hace que la historia sea más real. Uno como espectador llega a compartir los mismos silencios angustiantes con los que vive Georges todos los días, los mismos que muchas veces son cortados repentinamente por los balbuceos o gritos de Anne a medida que su condición se agrava más y más.

Y sin embargo, en toda esa intensa carga de dramatismo, en el dolor por el que atraviesan los personajes, y en la angustia que a uno mismo como espectador le genera la situación, hay cierta belleza. Una belleza estética, cinematográfica, que solamente logran producir las grandes películas que, si bien pueden resultar difíciles de ver por su temática, dejan la sensación de haber visto algo maravilloso. Duro, pero hermoso. Hermoso porque, más allá de la enfermedad y del sufrimiento, es una historia sobre el amor incondicional, como bien lo indica el mismo título de la película.

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Haneke, Rivas y Trintignant en el set de filmación de “Amour”.

Párrafo aparte para las actuaciones, que son sencillamente tremendas. Si bien aparecen distintos personajes, los dueños de la película son casi exclusivamente los franceses Jean-Louis Tringtinant y Emanuelle Rivas, que están magistrales en sus roles. Aunque la atención por momentos creo que recae mucho en ella, es en realidad a través de los dos que se hace posible llegar a esos sentimientos de dolor y de amor tan profundos que transmiten. Entre todas las nominaciones que tiene Amour para los premios Oscar de este año, uno de ellos le corresponde a Rivas, que a sus 85 años está nominada por su rol en esta película, y sinceramente creo que debería ganarlo.

Amour es arte. Una película memorable y difícil, cargada de tristeza, pero muy bella, porque detrás de todo el drama se esconde el amor de una pareja, ese tipo de amor que permanece hasta el final, tanto en la salud como en la enfermedad.

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Decididamente Martin Freeman es todo terreno. Si bien su carrera se fue para arriba en los últimos años a partir de su rol como Watson en Sherlock, y ahora indudablemente como Bilbo Baggins en The Hobbit, Freeman es un actor muy completo que también ha participado en series como The Office (versión inglesa), la miniserie Boy Meets Girl, y películas como Love Actually yThe Girl Is Mime Hot Fuzz, entre otras. Gracias a su rostro bonachón generalmente tiende a interpretar personajes queribles, pero indudablemente también puede hacer otros roles totalmente diferentes, como este que vengo a mostrarles.

The Girl Is Mime es un corto creado en el año 2010 por el director británico Timm Bunn para el 48 Hour Film Project, una competencia que consiste en escribir, rodar y editar una “mini película” en tan solo 48 horas. Todo un desafío, pero aún con todas las restricciones de tiempo, el resultado fue muy bueno. En The Girl Is Mime la acción se centra alrededor de Clive Buckle, un mimo (Martin Freeman) que es interrogado por la policía luego de haber sido acusado de asesinar a su mujer. ¿Es culpable o no? Los agentes están convencidos de que sí, pero Clive no ayuda para nada en su investigación.

Filmado como una película muda, The Girl is Mime es un corto muy entretenido que atrae por su protagonista, que está realmente impecable en su papel, y también por ser una comedia medio oscura, muy típicamente inglesa. La única crítica que le haría es que, para mí, le faltaron un par de minutos, pero sabiendo el propósito por el que fue creado, y por ende las limitaciones de tiempo que tuvieron sus creadores, la verdad está muy bien.

Pueden ver esta mini producción acá abajo. Enjoy!

The Girl Is Mime – Starring Martin Freeman from Tim Bunn on Vimeo.

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Desde que vi The X-Files obviamente he estado investigando bastante las filmografías de sus dos protagonistas y, como lamentablemente la de David Duchovny es la que menos puntos altos tiene (al menos para mi gusto), cuando vi el póster de The Joneses, su última película hasta el momento, pensé que era otra comedia medio romanticona más y no me entusiasmó para nada. Sin embargo, como este tipo a pesar de no ser un actorazo ni nada parecido conmigo todo lo puede, terminé viéndola y me sorprendió bastante.

Dirigida por Derrick Borte, The Joneses presenta a una típica familia modelo norteamericana de clase alta: casa enorme y lujosa, hijos adolescentes populares en el colegio con toda la tecnología de última moda, y padres que parecen hacer crecer dinero de los árboles a tal punto que sus actividades diarias se limitan a jugar al golf, ir a centros de belleza y cortar el pasto en cortadoras último modelo. En fin, una vida que muchos considerarían de ensueño, particularmente los vecinos de la familia Jones, que rápidamente se ven atraídos a su aparente éxito en la vida y empiezan a comparar su propio nivel de felicidad con el de ellos. Sin embargo, no todo lo que brilla es oro y no todo lo que la familia modelo del sueño americano muestra parece ser lo que es a primera vista.

The Joneses no es un peliculón y tampoco es un film profundo, pero tiene una idea original al principio y me resultó bastante entretenida, especialmente si la comparo con otros films de este estilo que salieron en los últimos años y que fueron bastante olvidables. Me gustó que haga una crítica al consumismo y al cómo muchas personas se dejan llevar por las cosas materiales y superficiales, olvidándose de lo que realmente importa, aunque por otro lado la verdad es que no logra hacer llegar el mensaje de una manera ni muy convincente ni muy seria. Y es que The Joneses hace una mezcla medio extraña y hasta confusa de comedia/drama/romance que, en lugar de darle variedad, termina convirtiéndola en una película un tanto inestable. Las actuaciones están correctas y ya. Este debe ser el papel más “memorable” de Demi Moore en unos cuantos años, y Duchovny realmente no destaca, pero ya lo dije antes: “Mulder” conmigo todo lo puede, así que mientras esté él, no me molesta. :P

Más allá de que tenga unos cuantos puntos débiles, The Joneses, contra todo pronóstico, me gustó. Ideal para ver un domingo a la tarde o a la noche en que no haya demasiado para hacer.

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Nota al márgen: el título del film hace alusión no sólo al apellido de la familia, Jones, sino que también se refiere a la muy común frase inglesa keeping up with the joneses, que hace referencia a tener lo mismo que otros, a querer alcanzar el mismo status del vecino, significado que está directamente relacionado al tema que trata la película.

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Tristram Shandy: A Cock and Bull Story es una película muy extraña. Y, para colmo, ni siquiera es una película… ¡es una película dentro de una película que está en otra película! Aunque dicho así suene complicado, la verdad es que verla es mucho más sencillo porque la historia consiste, básicamente, en el actor Steve Coogan encarando el proyecto de adaptar el libro “The Life and Opinions of Tristram Shandy” que, dicen, es imposible de filmar. Es así como uno como espectador termina presenciando de primera mano cómo es la vida en un set de filmación de una película, con diálogos muy naturales entre los actores, productores, camarógrafos y, en fin, toda la crew, y al mismo tiempo va viendo algunas escenas ya grabadas que aparecerán en la futura Tristram Shandy.

Me resultó una película extraña por la forma en que está realizada, por lo real que resulta todo y porque, si bien es una comedia, no lo es en el sentido estricto de la palabra, no produce carcajadas (al menos a mí no me pasó), y tampoco tiene una historia concreta, más bien parece el documental de la filmación de la película, pero al mismo tiempo tiene cierto atractivo que motiva a seguir viendo (eso sí me pasó). Cada tanto aparece un humor estilo Monty Python (la escena del útero pequeño…), pero en sí es todo bastante… particular.

Por otro lado, Tristram Shandy es un desfile de actores conocidos de la TV inglesa interpretando papelitos, y cuando digo desfile realmente lo es, porque está llena de gente! Steve Coogan (24 Hour Party People), Rob Brydon (Little Britain), Keeley Hawes (Spooks, Ashes to Ashes), Dylan Moran (Black Books),  Shirley Henderson (remember Myrtle la Llorona de Harry Potter?), David Walliams (Little Britain), Kelly Macdonald (State of Play) y hasta Stephen Fry, entre muchos otros. Y para coronar, pasada la hora de película aparece… ¡Gillian Anderson! (es oficial: X-Files ya me persigue, y para colmo en esta peli mencionan a la serie, a Mulder y Scully… oh, dear)  Cada uno tiene un pequeño rol y ninguno es protagonista, pero está bueno verlos así.

No sé si recomendarla porque no a todos les va a gustar, pero a mí, casi contra todo pronóstico, me pareció interesante.

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Bonus track: la escena al final de este video en la que Gillian Anderson le pregunta a Dylan Moran “So how many drinks you have a day?” No sé si esa línea habrá sido a propósito por el personaje de librero borracho que hacía Moran en Black Books, pero a mí me dio gracia justamente por eso. xD

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Shrek Forever After (2010)

Recuerdo cuando allá por 2004 vi Shrek 2 y se convirtió, para mí, en una de las sorpresas del año. Yo nunca había visto la primera parte completa y la verdad es que no sabía muy bien qué esperar, pero terminé muriéndome de risa junto con todos los demás espectadores que había en el cine, especialmente los adultos. Salí del cine y me fui derechito a un videoclub a alquilar Shrek y volví a reír a carcajadas. Siempre me gustó la trama de las películas, y en especial el hecho de que se hubiera innovado en el cine de animación proponiendo una versión distorsionada de los clásicos cuentos de hadas que tantas veces leí cuando era chica. Cuando hace unos años atrás salió la tercera parte, lamentablemente me encontré con que no estaba a la altura de las anteriores, pero aún así había cosas que me habían hecho reír (Merlín, las princesas…). Sin embargo, cuando hace poco pude finalmente ver la cuarta y última entrega de la saga del ogro más famoso, no podía dejar de preguntarme “¿Era necesaria?”

En Shrek The Third se veía que el ogro no estaba cómodo con su vida de casado, y en Shrek Forever After esto se confirma desde el principio. Shrek extraña la tranquilidad de su vida y de su pantano: ahora tiene obligaciones de marido y para colmo es una especie de atracción turística del reino porque es el único ogro inofensivo. En la fiesta del primer cumpleaños de sus hijos recibe tantas presiones que su paciencia llega a un límite y termina haciendo un trato con el duende Rumpelstiltskin: un día normal de su vida anterior como un ogro temible a cambio de un día insignificante, uno que él ni siquiera recuerde. Lo que Shrek no sabe es que la verdadera intención del duende es apropiarse del Reino de Muy Muy Lejano, y cuando es enviado al pasado descubre no sólo el engaño sino también que tiene muy poco tiempo para recuperar su vida con Fiona y sus amigos que, en este mundo alternativo, ni siquiera lo conocen.

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The Mighty Celt es una película de esas que no pretenden ser grandiosas, pero que sí buscan llegar al espectador contando una historia simple y lo logran. Escrito y dirigido por el irlandés Pearse Elliott, el film se sitúa en Belfast (Irlanda del Norte) y presenta a Donal, un chico de 14 años que trabaja para Joe, un criador de galgos, y termina tan encariñado con uno de los perros que se propone entrenarlo y cuidarlo él mismo para convertirlo en un campeón. En el medio se cruzan las historias de un ex miembro del IRA ahora reformado, y la de la madre de Donal, herida en el alma para siempre luego de la muerte de su hermano, quien también formara parte de ese grupo paramilitar.

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